ACTIVIDADES

Inauguración: miércoles 30 de agosto 18hs. Hasta el 12 de septiembre.

 

En el marco de los 70 años de la creación de la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario invitamos a la muestra OTRA VEZ. Noemí Mimí Escandell + Rozarte.

Los artistas participantes son Noemí Mimí Escandell (integrante del Grupo de la vanguardia de Rosario y Coautora de Tucumán Arde) y el Grupo Rozarte (pilar de la cultura artística de Rosario de finales de los 80s. y los 90s.)

Se exhibirán dos obras contemporánea de Escandell y cronograma y archivo Rozarte, además de la reconstrucción de una de sus prestigiosas obras grupales.

 

Es la Escuela de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades y artes quien atraviesa de una u otra manera la trayectoria de estos artistas; a unos como profesores e investigadores, a otros como estudiantes.

 

Las autoridades de la Facultad de Humanidades y Artes UNR y de la Facultad de Filosofía y Letras UBA firmarán en el marco de la muestra un convenio de cooperación cultural.

 

Participantes por la UNR

Decano Prof. José Goity

Sec. de Extensión Adrián Polssikof

Subsecretario de Extensión Lic. Óscar Vega 

Noemí Mimí Escandell 

Integrantes de distintas épocas del Grupo Rozarte.

Lic Marcela Römer

Doc. Alejandra Panozzo

Participantes por la FFyL UBA

Decana Dra. Graciela Morgade

Director Dto Artes y Director CCPU Ricardo Manetti 

 

OTRA VEZ 

El grupo Rozarte comienza en 1989 con casi una veintena de integrantes en la ciudad de Rosario gracias a la iniciativa primordial de Marcela Cattaneo y Silvina (Xil) Buffone en una mesa de café de la ciudad de Buenos Aires cuando asistían a clases con Yuyo Noé. Ambas artistas piensan que es necesario juntarse “en grupo” para discutir las importantes problemáticas que acontecían en Rosario en ese momento. Elaboran un listado de posibles amigos artistas para invitar a una reunión -con carácter plenario- en donde se discutiera sobre la posibilidad de encontrar canales factibles para mostrar las obras de producción joven y contemporánea. Así nace la primigenia idea de Rozarte.  Un mes después de esta reunión el grupo tendrá su nombre y comenzará con las intensas acciones que los juntaron durantes los años 1989 hasta 1997 con la disolución de su espacio/obra de arte denominado “El Galpón. Espacio RoZarte”,  permaneciendo sus integrantes hasta la actualidad en carácter de férreos amigos artistas.

La totalidad de sus integrantes, en todas las épocas que tuvo el grupo, fueron estudiantes y ahora egresados, y algunos hoy, profesores y gestores culturales de la Escuela de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades de la Universidad Nacional de Rosario. Fueron varios los profesores y artistas que apoyaron las ideas de juntarse en grupo, algunos de Rosario, otros de Bs As., una de ellas fue la Profesora Noemí Mimí Escandell ( ex integrante del grupo de vanguardia de Rosario y cofundadora de Tucumán Arde), la cual llevaba adelante las cátedras de Pintura I y II  en los años ‘80 y ‘90 en la Escuela de Bellas Artes. 

El grupo se asentaba en tres ejes fundamentales: la producción de la obra individual de cada uno de sus componentes, la obra de formación grupal y la intención de abrir un espacio (considerado una obra grupal) como centro cultural alternativo a lo oficial, ya que en esos momentos la ciudad no contaba con la posibilidad de ver nada de lo que se estaba produciendo a nivel nacional o internacional contemporáneo. Hay que tener en cuenta que en Rosario no existían a fines de los '80 espacios alternativos o privados de artes como en la actualidad, de ahí que Rozarte es pionero en ello, y de ahí que se establece su importancia en el campo cultural de la ciudad de Rosario.

Muchas cosas sucedieron durante los años de transcurso del grupo y sus diferentes integrantes en Rosario y en el país, exactamente unos cinco meses después de la primera reunión que los nucleara se producen los bien conocidos saqueos en la ciudad, la crisis económica es acuciante y eso establecerá lazos aún más sólidos en el grupo: la certeza de que haberse juntado era necesaria y de que la discusión sobre arte y espacio social era fundamental.

Marcela Römer

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

Desde el 16 de agosto en la sala de lectura silenciosa de la Biblioteca. Hasta el 6 de octubre.

Subsuelo, Puán 480, CABA

Catálogo disponible aquí 

Prólogo a "La razón de mi vida" de Eva Perón (Agebe, 2015)

Si Evita viviera... 

Creo que “si Evita viviera, sería militante feminista”. Propongo entender a este libro como un texto que expresó lo “decible” en el momento de su publicación: si bien pinta una parte de lo que Evita era, la imagen que prevalece no representa cabalmente la práctica política de Eva mujer. Aunque La razón de mi vida parece negarlo en algunos de sus pasajes, a su manera y a su tiempo, Evita fue una militante feminista y su práctica política abrió caminos que las mujeres nunca habían transitado antes. (...)

Graciela Morgade, 

Decana

 

 

Una diversidad de elementos se funden... Y lejos de hacerlo de una manera azarosa, constituyen a través de la magia y el embrujo de la artista, para dar cuenta de la figura más emblemática de un movimiento que supo nacer también a partir de la inclusión de diversidades y otredades permitiendo, entre otras ilusiones, despertar los sueños aspiracionales de los sectores olvidados. 

Desde una estética exuberante, disruptiva y provocadora -la misma que despertó, entre otras cosas, la ira de las clases acomodadas- se manifiesta a través de piezas de brocatos, terciopelos y chifón, las que, fundiéndose con metales y maderas, dan a luz a la Evita que nos propone Henríquez. 

Así, una sucesión de cajas de acrílicos conforman la obra, como recreando aquellos altares que por millones su pueblo supo construirle, para homenajear e inmortalizar su figura redentora. 

Las características de la muestra hallan su amalgama en el espacio de exposición de la Sala de lectura silenciosa de la Biblioteca de la Facultad de Filosofía y Letras, entre cuyas premisas institucionales se encuentra la producción y democratización del conocimiento, propiciando su accesibilidad a toda la comunidad... aquella misma que en proyección, el Peronismo promovió empoderar. 

Jorge Gugliotta

Secretario General

 

 

Graciela Henríquez

Nace en Buenos Aires en 1950. Estudia en las escuelas de B. Artes M. Belgrano, P. Pueyrredón, UNA y en el taller de Noé Nojechowicz. Realizadora escenográfica del Teatro Colón de Buenos Aires, y Profesora de dibujo en el  UNA, cátedra de Dibujo I, II y III. Diseñadora de vestuario y de espectáculos musicales. Su obra abarca varias disciplinas, Pintura, Dibujo, Realización, Instalación y Cajas-Objeto.


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

Inauguración: Viernes 4 de agosto 19hs

Visita con los artistas: miércoles 16 de agosto 18hs

Cierre: viernes 25 de agosto 18hs

Catálogo disponible aquí

Reseña en Ramona 

BREA Y MADERA | Una instalación de Pablo Martín + Martín Guerrero

 

La instalación de Pablo Martín y Martín Guerrero explota los límites de lo material para generar una pregunta ligada a la temporalidad y los modos de transitar un tiempo histórico. Susceptible de ser abarcada desde el presente concreto así como desde la Historia que se alza como constructora del transitar actual o hacia el tiempo próximo a sucederse, la obra irrumpe en el espacio dirigiéndose a un sujeto histórico que se comprende transformado a partir de la experiencia estética.

 

La materia, trabajada para ser destinada a un uso otro, a una nueva forma que resignifica el estadio original de sus componentes así como los circuitos de distribución en los que se ubica; la brea, la madera, son elementos activados que remiten al objeto mismo y se proyectan hacia diferentes tiempos históricos. Exvotos, máscaras, objetos, referencias necesarias a culturas ancestrales cuya iconografía se expone como patrimonio visual de una cultura colectiva, un arte popular que se construye como posibilidad de transformación de las realidades individuales y colectivas. El tránsito por la instalación en la que se exponen las herramientas del presente sustentadas en los saberes y expresiones de antaño, es el tránsito por un espacio sagrado, de reflexión sobre el sujeto en sí mismo, que a partir de su conciencia en el presente y su ser histórico se proyecta hacia un más allá de sí, no comprendido en términos materiales sino en su conciencia de finitud. Esta conciencia es la que impacta en el sujeto al encontrarse con formas reelaboradas, la brea es el material que alza hacia el espacio un monolito y un obelisco, contrapunto de un pasaje ritual, transformación posible, pasaje experiencial.

 

Graciela Dragosky

Jimena Pautasso

 


PABLO MARTÍN

Siempre se consideró un dibujante y eso lo llevó a desarrollar innumerables proyectos autogestivos donde desplegó sus habilidades como ilustrador y diseñador. Gusta de exhibir su trabajo, solo o acompañado, y busca siempre nuevas formas de hacer visible su producción y la de otros (proyectos virtuales, hogareños, publicaciones, etc.). 

En 2009 inicia junto a Florencia Fernandez Frank el colectivo Periódica :: Grupo de Gestión (periodica.com.ar). En 2011 reciben la Beca para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes para la muestra multidisciplinaria Lucha Libre! Miradas al Fabuloso Mundo de la Lucha Libre Mexicana en el Palais de Glace. En 2014 recibe nuevamente la Beca del FNA para itinerar la muestra por el interior del país. Desde 2011 es parte del Proyecto La Estrella, en el conurbano bonaerense (proyectolaestrella.com.ar). 

Mención en dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales – Palais de Glace, 2015.

Ha realizado residencias artísticas en DF y Oaxaca (México), Tilcara (Jujuy, Argentina) y Salta (Argentina). Durante 2015 realizó muestras y murales en Paris, Viena y Berlin.

Vive y trabaja en su casa/taller en el barrio de Monserrat. 

 

 

MARTÍN GUERRERO

BUENOS AIRES 1978.

Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en el IUNA. Asistió al Taller de Patricio Larrambebere (2006 – 2010). Participó del proyecto PAC 2012 para artistas visuales (prácticas artísticas contemporáneas). Clínicas de obra dictadas por: Rodrigo Alondo, Carlos Herrera, Gabriel Valansi, Eduardo Stupía y Andrés Waissman; Gachi Prieto Gallery, Buenos Aires, Argentina. Desde 2011 forma parte de ABTE (AGRUPACIÓN BOLETOS TIPO EDMONSON). Muestras individuales: 2016 - La edad de los Hidrocarburos, Centro Cultural Recoleta. Desde 2006 participa en diversas muestras colectivas, instituciones destacas: MAMBA, CCR, CCGSM, FNA. Premios, concursos y becas: 2015 - Marabunta Studio Visits Latinoamericanos. 2015 - Premio Itaú Cultural a las Artes Visuales 2013 - Beca Peisa “Un Día Con Liliana Porter”. 2013 - Fondo Metropolitano de la cultura, las artes y las ciencias; línea creadores, Artes Visuales. 2012 - Concurso sitios tangentes; San Miguel de Tucumán. 2012 - Salón Nacional Nuevos Soportes e Instalaciones. 2009 - Beca ECUNHI / FNA . 2008 - Premio Hotel Panamericano Site Specific; Bariloche. 2014 Y 2015 - es invitado por el Fondo Nacional de las Artes a brindar una charla y un taller: Intervenciones urbanas y Producción de obras para sitios específicos, en la Universidad Nacional de la Pampa y en la Universidad Nacional de San Luis respectivamente. 

 

Reseña en Ramona por Laura Reginato


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 25 de agosto de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs en el salón de las columnas.

ACTIVIDADES

Del 16 de junio al el 15 de julio en el salón de las columnas

Catálogo online aquí

Los husos destinados a ayudar en el hilado de las fibras textiles, pueden ser útiles también para representar nuestros posibles trayectos en el arte textil. Por él avanzamos cada una con su huso, dejando correr un haz de fibras que dibuja el sendero elegido, que lo muestra lineal y tenso, o enredado y repleto de nudos, flexible, dudoso en ocasiones y siempre dispuesto al cruce, a la red y a las tramas colectivas.

Como desde el comienzo de los tiempos y en todas las culturas, las manos de las mujeres toman el huso, retuercen la fibra, componen hilos, generan formas y le otorgan tintes, palabras, conceptos. En aquellas que lo adoptan como materia plástica, existe una indagación, un mirar que no escatima la propia vida en el pasaje hacia el conocimiento y la búsqueda de una expresión sensible. 

Recorriendo el laberinto, los husos que nos guían son variados, como variados los usos del arte textil, con su amplitud de recursos y procedimientos, tan permeable frente a otras disciplinas como afín a las producciones en cruce. En esa heterogeneidad del hacer, que enriquece y amplía los límites de su campo artístico, lo textil nos encuentra en camino.

En el huso de cada una de nosotras, van ovillados vivencias y recuerdos, mandatos y saberes heredados, rebeldías de mujeres que nos inspiran, lecturas, escuchas y experiencias estéticas signadas por el esfuerzo o la osadía. Todo eso cabe en nuestros husos y más, cuando los compartimos.

Viviana Debicki

 

Para deshacer los nudos, se necesita viento en nuestros husos. Cada hilo desenredado por la labor de las manos rescata la voz de una mujer y la mece en el aire.

 

Viviana Debicki

Emilia Demichelis

Marisa Domínguez

Carmen Imbach Rigos

Betina Sor

Natalia Suárez

Florencia Walfisch

 

Viviana Debicki

Viviana Debicki, vive y trabaja en Buenos Aires, Licenciada en Artes Visuales (UNA) y Profesora Nacional de Escultura. Investiga y trabaja sobre el valor de los objetos cotidianos como vehículos de la memoria: los materiales simples, pequeños y casi intangibles de los que se nutre la memoria, los recuerdos de la infancia y, particularmente, los referidos las labores textiles tradicionalmente femeninas. Entre otras muestras en espacios institucionales y privados, ha participado en “Hagamos visible lo invisible”, Centro Cultural Recoleta, en “Genéricas”, muestra en la Legislatura Porteña y presentó su muestra “Basta un botón”, en la Universidad de Rosario y en la Universidad de Lanús. Sus trabajos sobre estereotipos de género, integraron la muestra “Lazos y moños” en el Museo de la Mujer de la ciudad de Buenos Aires y en Museo Casa Carnacini. Como parte de su proyecto “Mercería” ha presentado “Puntada sin hilo” en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (2016). Realizó el mural textil que identifica al Observatorio de Género de la Justicia de la Ciudad de Buenos Aires en la Magistratura Porteña. Su obra forma parte desde marzo de 2011 del patrimonio del Museo de las Mujeres de Costa Rica.

 

 

Emilia Demichelis

Emilia Demichelis vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires. Es Artista Visual orientada a la producción e investigación de textiles. Tiene en curso la Licenciatura en Artes Visuales con orientación en Escultura en la U.N.A (Universidad Nacional de las Artes) y desarrolló su producción en los talleres de diferentes artistas. La misma fue expuesta en diferentes espacios de la Ciudad Buenos Aires, Santa Fe, Bahía Blanca, Santa Cruz, etc. En el presente realiza clínica de obra con Karina Granieri y anteriormente con Eduardo Médici. Aborda las prácticas visuales desde la producción individual y las colectivas, profundizando en la construcción de discursos y vínculos intergeneracionales y multiculturales. Trabaja en talleres de arte para niños desde su adolescencia y dicta clases de arte y experimentación textil para adolescentes, jóvenes y adultos.

 

Marisa Domínguez

Marisa Domínguez vive y trabaja en Buenos Aires, estudió Licenciatura de Artes Visuales en Filosofía y Letras, UBA y en busca de mayores recursos para su producción cursa hoy la Licenciatura en Artes Visuales, UNA. Su camino que pasa por el dibujo, la pintura y el grabado, ha transitado también el estampado de telas, el diseño de vestuario teatral, la cerámica, el vidrio, el papel maché, el uso de elementos tan habituales como fideos o materiales de reciclado como el plástico y las cápsulas de medicamentos, en su búsqueda de recuperar el aspecto lúdico de la creación. En su obra están presentes los objetos y colores que invadían la casa de su madrina en la infancia: los calcos en la heladera y las alacenas, las uvas de vidrio, los cuadros pintados sobre terciopelo negro, las bolas de nieve, el burrito de tela roja, la negrita de la suerte, las carpetitas tejidas al crochet de mil colores, las flores de plástico y los estampados psicodélicos de sus vestidos.

Ha participado de variados salones interdisciplinarios, acordes a su forma experimental y multifacética de trabajo, ha expuesto en el Palacio de las Artes, Fundación Mecenas, con “Exotismo radical”, en La Manufactura Papelera con “Mundo Feliz” y en Galería Holz con “Boquitas pintadas”.

 

Carmen Imbach Rigos

Carmen Imbach Rigos, nacida en Uruguay y nacionalizada argentina, vive y trabaja en Buenos Aires, es Profesora Nacional de Pintura y Licenciada en Artes Visuales, UNA. Aborda desde su obra cuestiones femeninas. Desarrolla tareas docentes y de investigación paralelamente con su constante labor artística. Obtuvo en 2015 el Primer Premio Nacional, Salón Nacional Textil Fundaluz y el Primer Premio Nacional Joan Wall, Bienal Textil Museo Sívori. En 2014, Primer Premio Salón Nacional Textil Bolsa de Comercio y el Tercer Premio Museo Rómulo Raggio.

Ha expuesto en muestras nacionales e internacionales: 2016 - Mapas femeninos en Retratos de familia -Museo Aurelio Genovese- Santa fe – Argentina. 2016- Muestra, El ardid del tiempo- Museo Nacional de Bellas Artes, Salta, Argentina.2015- Muestra - Art al Vent Gata de Gorgos Valencia- España.2015 -Centro Argentino del Libro de Artista en U.A.D.E- Argentina

2015 -Muestra Internacional -Museo de Jacquard en Roubaix - Francia- 32 Artistes, le fil, le rouge à la Manufacture de Roubaix -    Muestra Colectiva Latinas Fibert Art Fever- Arte Textil Paris - Francia, 2013 - Muestra Individual - Arte Textil - Museo Provincial de Bellas Artes “Timoteo Navarro”- Tucumán- Argentina.

 

Betina Sor

Betina Sor, vive y trabaja en Buenos Aires. En el año 1986 egresó de la ENBAPP con el título de Profesora Nacional de Escultura y en el año 2004 se Licenció en Artes Visuales /Escultura-UNA. Completó su formación con varios maestros de escultura y de otras áreas-música-historia del arte-grabado-bordado-fieltro- entre varias. Ejerce la docencia en instituciones, siendo Titular concursada de la materia OTAV Escultura/Departamento de Artes Visuales P. Pueyrredón-UNA. Ganó algunos premios y suele mostrar mis trabajos tanto en exposiciones colectivas, en grupos auto gestionados o en forma individual.

Su trabajo está ligado al mundo de lo femenino y por extensión a lo humano, ya sea dentro de un esquema figurativo de representación de la realidad, o poético-conceptual con diferentes soportes. Le interesa el rescate de lo cotidiano, visibilizado en la elección de algunos objetos, los cuales ensambla, interviene, relaciona. Le importa también la denuncia, la marcación o la puesta en evidencia, de hechos que considera injustos, dolorosos o desafortunados.  Su creación está íntimamente ligada a la búsqueda de una verdad propia, única y personal. Esa búsqueda se acerca a lugares ocultos e infinitos que, durante el proceso, se develan a la mirada de los otros, sin pretender jamás llegar a una verdad absoluta. 

 

Natalia Suárez

Natalia Suárez es licenciada en Artes Plásticas de la UNLP y Caracterizadora Teatral, Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de La Plata.

Trabaja como docente en la UNLP y en su taller personal donde coordina diversos proyectos de arte contemporáneo que indagan en el arte textil y el entrecruzamiento de lenguajes.

En los últimos años su trabajo está relacionado al teatro, a la música, a la danza y a aquellos lenguajes posibles de dialogar con las artes visuales, ha realizado una formación transdisciplinar vinculada a otros actores y miradas posibles del hacer creativo.

Su búsqueda está vinculada las formas cotidianas, los objetos que nos rodean y al espacio que habitamos para volver pensarlos, sentirlos y significarlos, desde la propia experiencia y a modo de indagar en la práctica artística como forma de vivir y crear la vida.

Su obra juega con nuevos sentidos, combinando en las últimas realizaciones el propio cuerpo con la superficie textil como espacio de significación.

 

Florencia Walfisch

Florencia Walfisch es artista visual y poeta. Su formación incluye diferentes disciplinas expresivas. Durante varios años se centra en el dibujo y la escritura y desde el 2004 en el arte textil. Estudia con Mónica Marcovich, Víctor Chab. Hace clínica de obra con Tulio de Sagastizábal. Realiza exposiciones colectivas e individuales en Argentina y el exterior: Berlín (Galería Michael Schultz, 2015) y  New York (Gallery Molly Krom, 2014) Entre las distinciones obtenidas se pueden destacar: Segundo Premio, Arte Textil, 100° Salón Nacional de Artes Visuales (2011), Mención, Arte Textil, 96° Salón Nacional de Artes Visuales (2007), Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines (2004), Mención VI Premio Latinoamericano de Poesía Ciudad de Medellín (2007). Sus textos se incluyen en diversas antologías, entre otras: Poetas argentinas (1961-1980) y Premio Jaime Sabines, 20 años, Chiapas, 2009. Participa de diversos proyectos interdisciplinarios. Lleva adelante el proyecto Té con Obra, abriendo un diálogo entre artistas visuales y literarios. Conforma, junto al músico Pablo Bronzini, el colectivo in medias res, que combina el lenguaje visual y la música. Vive y trabaja en Buenos Aires.

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

Lunes 19 de junio 19hs

Artes Visuales / Asamblea Abierta invita a artistas, curadorxs, periodistas, y agentes culturales a la Asamblea 3.

En este encuentro se tratarán temas pendientes plasmados en las asambleas anteriores (contenidos o no en el temario de origen (disponible aquí), y otros temas que lxs participantes lleven a la reunión (como el Salón Nacional, entre otros).

Presentaremos el “Mapa Flojo de las Artes”* y sus “50 salas IDAS” y esperamos abordar en profundidad el asunto, definir estrategias, formas de acción y articulación con otros ámbitos culturales.

En este momento hay 10 instituciones públicas de arte con un total de 50 SALAS bajo la CONDICIÓN “IDAS”: INACTIVAS, DELEGADAS A OTROS USOS, ALQUILADAS o SIN PRESUPUESTO (a la gorra, con dinero que aporta su propio personal, y/o lxs artistas, o con la caja chica de la sala); a estas precarias condiciones con que se trata nuestra cultura se suman cientos de despidos en el área.

Queremos que estas SALAS DE EXHIBICIÓN tengan los presupuestos, el personal y las condiciones necesarios. MILES DE ARTISTAS que producimos activamente en la ciudad de Buenos Aires no contamos con nuestros históricos espacios públicos de exposición, año a año se fueron desactivando. Lo existente no es proporcional a la producción artística anual en la ciudad. Queremos recuperar nuestras históricas salas de exhibición y contar con presupuestos adecuados para su sostenimiento. Finalmente, compartir nuestro trabajo con toda la comunidad, ávida de participar de la vida cultural.


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

Inauguración: viernes 16 de junio 19hs

 

Los husos destinados a ayudar en el hilado de las fibras textiles, pueden ser útiles también para representar nuestros posibles trayectos en el arte textil. Por él avanzamos cada una con su huso, dejando correr un haz de fibras que dibuja el sendero elegido, que lo muestra lineal y tenso, o enredado y repleto de nudos, flexible, dudoso en ocasiones y siempre dispuesto al cruce, a la red y a las tramas colectivas.

Como desde el comienzo de los tiempos y en todas las culturas, las manos de las mujeres toman el huso, retuercen la fibra, componen hilos, generan formas y le otorgan tintes, palabras, conceptos. En aquellas que lo adoptan como materia plástica, existe una indagación, un mirar que no escatima la propia vida en el pasaje hacia el conocimiento y la búsqueda de una expresión sensible. 

Recorriendo el laberinto, los husos que nos guían son variados, como variados los usos del arte textil, con su amplitud de recursos y procedimientos, tan permeable frente a otras disciplinas como afín a las producciones en cruce. En esa heterogeneidad del hacer, que enriquece y amplía los límites de su campo artístico, lo textil nos encuentra en camino.

En el huso de cada una de nosotras, van ovillados vivencias y recuerdos, mandatos y saberes heredados, rebeldías de mujeres que nos inspiran, lecturas, escuchas y experiencias estéticas signadas por el esfuerzo o la osadía. Todo eso cabe en nuestros husos y más, cuando los compartimos.

 

Viviana Debicki

 

Para deshacer los nudos, se necesita viento en nuestros husos. Cada hilo desenredado por la labor de las manos rescata la voz de una mujer y la mece en el aire.

 

 

Viviana Debicki

Emilia Demichelis

Marisa Domínguez

Carmen Imbach Rigos

Betina Sor

Natalia Suárez

Florencia Walfisch

 

 

 

Viviana Debicki

Viviana Debicki, vive y trabaja en Buenos Aires, Licenciada en Artes Visuales (UNA) y Profesora Nacional de Escultura. Investiga y trabaja sobre el valor de los objetos cotidianos como vehículos de la memoria: los materiales simples, pequeños y casi intangibles de los que se nutre la memoria, los recuerdos de la infancia y, particularmente, los referidos las labores textiles tradicionalmente femeninas. Entre otras muestras en espacios institucionales y privados, ha participado en “Hagamos visible lo invisible”, Centro Cultural Recoleta, en “Genéricas”, muestra en la Legislatura Porteña y presentó su muestra “Basta un botón”, en la Universidad de Rosario y en la Universidad de Lanús. Sus trabajos sobre estereotipos de género, integraron la muestra “Lazos y moños” en el Museo de la Mujer de la ciudad de Buenos Aires y en Museo Casa Carnacini. Como parte de su proyecto “Mercería” ha presentado “Puntada sin hilo” en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (2016). Realizó el mural textil que identifica al Observatorio de Género de la Justicia de la Ciudad de Buenos Aires en la Magistratura Porteña. Su obra forma parte desde marzo de 2011 del patrimonio del Museo de las Mujeres de Costa Rica.

 

 

Emilia Demichelis

Emilia Demichelis vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires. Es Artista Visual orientada a la producción e investigación de textiles. Tiene en curso la Licenciatura en Artes Visuales con orientación en Escultura en la U.N.A (Universidad Nacional de las Artes) y desarrolló su producción en los talleres de diferentes artistas. La misma fue expuesta en diferentes espacios de la Ciudad Buenos Aires, Santa Fe, Bahía Blanca, Santa Cruz, etc. En el presente realiza clínica de obra con Karina Granieri y anteriormente con Eduardo Médici. Aborda las prácticas visuales desde la producción individual y las colectivas, profundizando en la construcción de discursos y vínculos intergeneracionales y multiculturales. Trabaja en talleres de arte para niños desde su adolescencia y dicta clases de arte y experimentación textil para adolescentes, jóvenes y adultos.

 

 

Marisa Domínguez

Marisa Domínguez vive y trabaja en Buenos Aires, estudió Licenciatura de Artes Visuales en Filosofía y Letras, UBA y en busca de mayores recursos para su producción cursa hoy la Licenciatura en Artes Visuales, UNA. Su camino que pasa por el dibujo, la pintura y el grabado, ha transitado también el estampado de telas, el diseño de vestuario teatral, la cerámica, el vidrio, el papel maché, el uso de elementos tan habituales como fideos o materiales de reciclado como el plástico y las cápsulas de medicamentos, en su búsqueda de recuperar el aspecto lúdico de la creación. En su obra están presentes los objetos y colores que invadían la casa de su madrina en la infancia: los calcos en la heladera y las alacenas, las uvas de vidrio, los cuadros pintados sobre terciopelo negro, las bolas de nieve, el burrito de tela roja, la negrita de la suerte, las carpetitas tejidas al crochet de mil colores, las flores de plástico y los estampados psicodélicos de sus vestidos.

Ha participado de variados salones interdisciplinarios, acordes a su forma experimental y multifacética de trabajo, ha expuesto en el Palacio de las Artes, Fundación Mecenas, con “Exotismo radical”, en La Manufactura Papelera con “Mundo Feliz” y en Galería Holz con “Boquitas pintadas”.

 

 

Carmen Imbach Rigos

Carmen Imbach Rigos, nacida en Uruguay y nacionalizada argentina, vive y trabaja en Buenos Aires, es Profesora Nacional de Pintura y Licenciada en Artes Visuales, UNA. Aborda desde su obra cuestiones femeninas. Desarrolla tareas docentes y de investigación paralelamente con su constante labor artística. Obtuvo en 2015 el Primer Premio Nacional, Salón Nacional Textil Fundaluz y el Primer Premio Nacional Joan Wall, Bienal Textil Museo Sívori. En 2014, Primer Premio Salón Nacional Textil Bolsa de Comercio y el Tercer Premio Museo Rómulo Raggio.

Ha expuesto en muestras nacionales e internacionales: 2016 - Mapas femeninos en Retratos de familia -Museo Aurelio Genovese- Santa fe – Argentina. 2016- Muestra, El ardid del tiempo- Museo Nacional de Bellas Artes, Salta, Argentina.2015- Muestra - Art al Vent Gata de Gorgos Valencia- España.2015 -Centro Argentino del Libro de Artista en U.A.D.E- Argentina

2015 -Muestra Internacional -Museo de Jacquard en Roubaix - Francia- 32 Artistes, le fil, le rouge à la Manufacture de Roubaix -    Muestra Colectiva Latinas Fibert Art Fever- Arte Textil Paris - Francia, 2013 - Muestra Individual - Arte Textil - Museo Provincial de Bellas Artes “Timoteo Navarro”- Tucumán- Argentina.

 

 

Betina Sor

Betina Sor, vive y trabaja en Buenos Aires. En el año 1986 egresó de la ENBAPP con el título de Profesora Nacional de Escultura y en el año 2004 se Licenció en Artes Visuales /Escultura-UNA. Completó su formación con varios maestros de escultura y de otras áreas-música-historia del arte-grabado-bordado-fieltro- entre varias. Ejerce la docencia en instituciones, siendo Titular concursada de la materia OTAV Escultura/Departamento de Artes Visuales P. Pueyrredón-UNA. Ganó algunos premios y suele mostrar mis trabajos tanto en exposiciones colectivas, en grupos auto gestionados o en forma individual.

Su trabajo está ligado al mundo de lo femenino y por extensión a lo humano, ya sea dentro de un esquema figurativo de representación de la realidad, o poético-conceptual con diferentes soportes. Le interesa el rescate de lo cotidiano, visibilizado en la elección de algunos objetos, los cuales ensambla, interviene, relaciona. Le importa también la denuncia, la marcación o la puesta en evidencia, de hechos que considera injustos, dolorosos o desafortunados.  Su creación está íntimamente ligada a la búsqueda de una verdad propia, única y personal. Esa búsqueda se acerca a lugares ocultos e infinitos que, durante el proceso, se develan a la mirada de los otros, sin pretender jamás llegar a una verdad absoluta.

 

 

Natalia Suárez

Natalia Suárez es licenciada en Artes Plásticas de la UNLP y Caracterizadora Teatral, Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de La Plata.

Trabaja como docente en la UNLP y en su taller personal donde coordina diversos proyectos de arte contemporáneo que indagan en el arte textil y el entrecruzamiento de lenguajes.

En los últimos años su trabajo está relacionado al teatro, a la música, a la danza y a aquellos lenguajes posibles de dialogar con las artes visuales, ha realizado una formación transdisciplinar vinculada a otros actores y miradas posibles del hacer creativo.

Su búsqueda está vinculada las formas cotidianas, los objetos que nos rodean y al espacio que habitamos para volver pensarlos, sentirlos y significarlos, desde la propia experiencia y a modo de indagar en la práctica artística como forma de vivir y crear la vida.

Su obra juega con nuevos sentidos, combinando en las últimas realizaciones el propio cuerpo con la superficie textil como espacio de significación.

 

 

Florencia Walfisch

Florencia Walfisch es artista visual y poeta. Su formación incluye diferentes disciplinas expresivas. Durante varios años se centra en el dibujo y la escritura y desde el 2004 en el arte textil. Estudia con Mónica Marcovich, Víctor Chab. Hace clínica de obra con Tulio de Sagastizábal. Realiza exposiciones colectivas e individuales en Argentina y el exterior: Berlín (Galería Michael Schultz, 2015) y  New York (Gallery Molly Krom, 2014) Entre las distinciones obtenidas se pueden destacar: Segundo Premio, Arte Textil, 100° Salón Nacional de Artes Visuales (2011), Mención, Arte Textil, 96° Salón Nacional de Artes Visuales (2007), Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines (2004), Mención VI Premio Latinoamericano de Poesía Ciudad de Medellín (2007). Sus textos se incluyen en diversas antologías, entre otras: Poetas argentinas (1961-1980) y Premio Jaime Sabines, 20 años, Chiapas, 2009. Participa de diversos proyectos interdisciplinarios. Lleva adelante el proyecto Té con Obra, abriendo un diálogo entre artistas visuales y literarios. Conforma, junto al músico Pablo Bronzini, el colectivo in medias res, que combina el lenguaje visual y la música. Vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 7 de julio de 2017 de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs.

ACTIVIDADES

Inauguración martes 4 de abril a las 19hs

Catálogo disponible aquí

En la obra de nuestra artista, Teresa Pereda, la tierra se constituye en la gran protagonista, percibiéndose que esta elección no se circunscribe al mero orden de lo estético sino que fundamentalmente, en su existencia matérica, la tierra es elegida por ser portadora de contenidos simbólicos e ideológicos que reseñan los valores más profundos de nuestros pueblos americanos, haciendo propios a aquellos contenidos  complejos y plurales que residen con vitalidad, tanto en el universo cosmogónico precolombino como también anidan, aunque de un modo dispar, en nuestra América popular (indígena, mestiza y criolla).  

Haydeé Palazzolo y Graciela Dragosky

Curaduría: Graciela Dragosky

 

Teresa Pereda (Buenos Aires, 1956)

Artista e investigadora. Licenciada en Historia de las Artes, Universidad de Buenos Aires. Profesora invitada en la Maestría en Diversidad Cultural de la UNTREF.

Se especializa en etnografía indígena de Sudamérica en el marco de procesos de mestizaje y reetnización vigentes en suelo americano. 

A principio de los años 90 profundiza su poética a partir del vínculo hombre-tierra. Emprende un conjunto de acciones de recolección e intercambio de tierras procedentes de diversas regiones de la Argentina que dan lugar a la serie Itinerario de un país (instalaciones, performance, libros de artista, fotografía y video).

Desde 2007 y a partir de viajes por el continente americano surge la serie Recolección - restitución. Citas por América, que conformó la exposición conmemorativa del Bicentenario en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta (Bs. As., 2010). Integró las muestras Malvinas. Arte, documento, historia, memoria y actualidad de nuestras islas, Palais de Glace, (Bs.As. 2012) y Realidad / Utopía - 200 años de Arte Argentino en Akademie derKunste, (Berlín, 2010). Entre sus muestras individuales se destacan: Gathering / Restitution. Appointments around América Alejandra von Hartz Gallery, (Miami, USA, 2011); Itinerarios, libros e instalaciones Pabellón de las  Bellas Artes, UCA, (Bs.As., 2012); Agua que no se detiene, MNAD (Bs. As., 2013); Pró(x) imo posible. Cita país, Parque de la Memoria (Bs. As., 2013); A orillas del Río Dulce, Centro Cultural del Bicentenario (Santiago del Estero, 2014). 

Participó de las residencias Intra-nation: thematic residency in Media and Visual Arts, The Banff Centre, Alberta, Canadá (mayo-junio 2004) y Fountainhead Residency, Miami, USA (marzo-abril 2011).

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

De lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs en el salón de las columnas, hasta el 28 de abril de 2017. 

ACTIVIDADES

Inauguración: viernes 3 de marzo 19hs

Mariela Yeregui

Vivo cerca del Olimpo, un ex-centro clandestino de detención. Paso frente a él todos los días. Es un lugar inquietante y que, al mismo tiempo, me convoca, me interpela, me invita a recorrerlo y a contemplarlo. Fruto de esta contemplación constante surge “En el fondo de todo hay un jardín”.

Este punto de luz habla de los jardines que crecen espontáneamente en el terreno del horror, de la desazón, de la violencia. Es un jardín para un ex-centro clandestino, pero también puede ser un jardín personal, íntimo, que crece en el alma. Es un jardín de luz, es un espacio incipiente que puede dilatarse, expandirse y eclipsar las sombras.

El jardín es así también un objeto itinerante. Puede ingresar en la intimidad del espacio del otro, y este tránsito por los espacios privados va descubriendo nuevas capas, va dibujando trazos en el territorio. Los espacios interiores develan huellas, “arrastran” líneas de fuerza reveladoras de andamiajes sociales, económicos, culturales.

 https://jardinitinerante.wordpress.com/


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 30 de marzo, de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs.

ACTIVIDADES

Inauguración: viernes 3 de marzo 19hs

Catálogo disponible aquí

 

LATENTES 1976-2016

Un poema contemporáneo

a 40 años de la última dictadura cívico-militar.

 

GRUPO TENDER 

Alicia Benitez - Marion Jüül - Walter Coelho - Sandra Ciccioli - Jimena Geri - Adriana Giacchetti - Adriana Gutierrez – Andrea Trotta - Carlos di Leone - José Arfuch - Florencia Belotti - Lucía Artigas.

Curaduría: Federico de la Puente

 

A cuarenta años de la última dictadura cívico-militar, doce artistas trabajan juntos. Reflexionan sobre las cartas escritas por las madres detenidas-desaparecidas a sus hijos nacidos en los centros ilegales de detención. Aquellas cartas, escritas a la fuerza y con la ilusión de ser canales de comunicación, nunca llegaron a destino. Los papeles intervenidos por los integrantes del grupo TENDER Generan un torbellino blanco, que llena el espacio de gestos sutiles y casi imperceptibles.

LATENTES (1976-2016) nos recuerda que todo encuentro es político, en tanto es una relación con el otro. Es un hecho que desanda y construye mundos. Los 121 nietos recuperados son homenajeados en 121 papeles intervenidos por los artistas, en los cuales se atraviesa el tiempo y la lucha por un mundo más justo. Cartas desde el peor de los cautiverios que contienen y proyectan la construcción de un futuro de LIBERTAD plena.

La invitación es a la reflexión, a la memoria. Pero también es un llamado a la acción y al trabajo cotidiano en nuestro tiempo, a la mirada atenta y al pensamiento crítico.

Federico de la Puente

 

 

 

GRUPO TENDER

Alicia Benítez

Mis obras en algunos casos son registros....en otros casos recortes de la realidad..... y en otros sueños. Mi formación en las escuelas de Bellas Artes sostienen estos momentos y abren la posibilidad de desarmar lo aprendido y avanzar hacia nuevas apariciones. ESTE ES MI JUEGO.

 

Marion Jüül

Me manejo en tres líneas de trabajo, dibujo, pintura y textil, que elijo en función de lo que quiero transmitir .Entre estos lenguajes plásticos desarrollo mi discurso personal que en este momento se basa en una mirada introspectiva y de reflexión sobre las emociones.

 

Walter Coelho

Me gusta ese encuentro que se provoca con la acción de pintar, la libertad, lo artesanal, el proceso de trabajo, descubrir la imagen. Utilizo el óleo, el dibujo y el collage como medios expresivos. Con la pintura puedo construir la expresión plena de la identidad. Busco en cada imagen, una construcción sensible, invitando a la contemplación y a la emoción. Fragmentos que hablan de otros y de nosotros.

 

Sandra Ciccioli

Toda mi obra gira en torno a la idea del hombre integrado en un fluir vital con la naturaleza, donde transito los límites entre lo bello y lo sublime, la incertidumbre y el sosiego, entre una fuerza poderosa y la fragilidad de la existencia, entre lo efímero y lo permanente. Me interesa el proceso creativo, la expresión, la composición, el diseño, y la variedad de medios para lograr un instante de comunicación desde lo visual, loconceptual y lo emocional, que permita atravesar la experiencia artística.

 

Jimena Geri 

Tengo la intrínseca convicción del arte, entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética y/o comunicativa, como una necesidad -espiritual- de expresar ideas, emociones, en general. Una visión del mundo, en mi caso, a través de lo visual. Considero al arte como una actividad cradora suprema del ser humano. Básicamente es una profunda e intensa necesidad interior que, en concordancia con el “otro-espectador” forma un vínculo comunicativo indisoluble y mágico.

 

Adriana Giacchetti 

Mi relación con el arte ya comienza en mi infancia, ya que mi padre era también artista plástico. Si bien me especialice en la técnica del grabado, en la escuela de artes visuales donde me formé, no fue justamente esta la que luego elegiría para expresarme, ya que encontré en la pintura acrílica esa respuesta veloz y precisa a mis necesidades artísticas. El arte me conecta con la verdad, lo esencial, lo inconsciente, lo sutil y lo espiritual.

 

Andrea Trotta

Su sendero abstracto la ha conducido por diferentes expresiones como el colage, la espátula y su materialidad, impulsos cromáticos bastos y pinceladas llenas de sentimientos intensos. Hoy es una artista “en constante búsqueda de la síntesis tanto del color como del gesto”. La invasión visual es desalojada, desterrada y silenciada, una experiencia nueva surge del diálogo entre la obra y el observador, una conversación atemporal y sin ataduras. 

 

Carlos di Leone

Aprovechando mi amistad con el maestro Julián Agosta, comencé a tomar clases de escultura, descubriendo un terreno nuevo, y si bien la profesión le aportó muchos elementos a la naciente pasión, pude despegar de cierta mentalidad estructurada de la arquitectura para soltarme en el nuevo camino. Así fueron apareciendo formas dentro de una estética enraizada en lo telúrico (quien sabe de que manera estaban vibrando contenidas), y así se fue expandiendo el horizonte. Ese horizonte amplio permitió más adelante, incursionar en otras formas e incorporarme a nuevos grupos dentro de las distintas variantes estéticas.

 

José Arfuch

Entré al arte y al transitarlo encuentro el vínculo que más me acerca a la libertad. El arte es lo real.

 

Florencia Belotti

Soy arquitecta FADU-UBA y docente desde el 2009 en la materia Representación Arquitectónica –Cátedra Jacoby, FADU-UBA. Además, soy docente desde el 2013 en Teoría de la Arquitectura – Cátedra Arq. González, FADU-UBA. Colaboradora en proyecto y dirección de obra en Estudio María Fernanda Vilanova y Estudio Mehaudy (arquitectura y diseño interior). Obtuve la Mención Honorífica Concurso Internacional de ideas para la Escuela de Circo en Moscú organizado por AC – CA (2016). Realizo talleres de clínica de obra y otros seminarios a cargo de las artistas visuales Mirta Kupferminc, Silvia Brewda y Sandra Ciccioli. 

 

Lucía Artigas

Hace más de diez años que recorro aulas y talleres. Disfruto de la maternidad, la familia y los amigos... En 2011 asumí el compromiso de llevar “Presos de sí”, primer proyecto colectivo, a la Galería de Arte del Ex Presidio de Ushuaia. Desde entonces me apropié de la condición de “artista plástica” y sostuve una actividad modesta pero constante. En 2012 tuve la oportunidad de exponer Presos de sí en el Museo Casa  Carnacini y tiempo después el proyecto fue declarado de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación. Creo que uno se define en contexto. “Ser” es “Ser entre otros” y trabajar junto a colegas que uno aprecia y respeta tanto, siempre es un enorme placer. 

 

Adriana Gutierrez

El trabajo realizado para contar en "coro" este tema tan doloroso con mis colegas de Tender fue sumamente gratificante, un ejercicio de defensa del punto del vista propio y un resignar, ceder en pos del resultado final. Estoy convencida que logramos explicar que hay posibilidad de reunir esa palabra susurrada, pensada, llorada con su interlocutor. Que existe la posibilidad real de quitarse las dudas y encontrarte con una abuela que, a fuerza de amor, siguió esperando para poder contar sus anécdotas y  secretos. Hay una comunicación "Latente", hay una posibilidad de encuentro que ya se produjo en 120 oportunidades. Festejemos la vida y el reencuentro.

 

Federico de la Puente. Curador

Argentino (1987), reside en Buenos Aires. Cursó la Licenciatura en Curaduría e Historia del Arte en la Universidad del Museo Social Argentino. Posee más de 10 años de experiencia en el área de gestión cultural, diseño y comunicación. 

Desde 2009 es fundador y fue coordinador del Ciclo de Artes Visuales de la Asociación Cultural Arte y Vida. En este espacio ha desarrollado exposiciones mensuales hasta el 2015 inclusive. En esta institución, se desempeñó en cargos directivos desde 2007 a 2013. Ha desarrollado numerosas exposiciones. 

En 2014 escribe para la exhibición Poéticas Divergentes (Museo Timoteo Navarro – San Miguel de Tucumán). En 2015, es convocado para realizar la curaduría del proyecto colectivo TENDER en el campus de la Universidad Nacional de San Martín. Ese año,también cura la exhibición de Alicia Keshishian en Arcimboldo Arte Contemporáneo (C.A.B.A.) y elabora distintos proyectos para la galería de arte Imaginario, en la Ciudad Autónoma de Buenos AireS. Ha publicado varios artículos y reseñas en diversos medios digitales, así como también,participó en programas de radio con columnas sobre arte y cultura. 

En 2016 desarrolla la curaduría del proyecto de sitio específico LATENTES 1976-2016 del Grupo TENDER. Con el mismo se presenta en la Universidad Nacional de San Martín y en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA). Funda y coordina el ciclo de exposiciones de arte contemporáneo Experiencias, dentro del proyecto de gestión cultural independiente “Las Conanas” en Villa Crespo, Buenos Aires. Escribe artículos, realiza clínicas y presenta proyectos para diversos artistas contemporáneos. 

 

Latentes en Facebook:

https://web.facebook.com/Latentes-1976-2016-323311374676961/?fref=ts

 

Catálogo digital:

https://issuu.com/federicodp/docs/latentes

 

LATENTES INVITA

Silvio Fischbein

 

En esta oportunidad, se incorpora al proyecto un nuevo espacio. Porque creemos que la memoria es colectiva y en construcción constante. Porque estamos dispuestos a sumar más voces a esta conversación. Nace LATENTES INVITA: la oportunidad para ver este proyecto de sitio específico en diálogo con la obra de otro/s artista/s. En esta edición LATENTES invita a Silvio Fischbein a incorporarse con una obra que abre sentidos y genera lecturas nuevas.

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 30 de marzo, de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs.

ACTIVIDADES

Lunes 5 de NOV 18hs 

Inauguración y entrega de diplomas

1ra muestra anual de los cursos de fotografía del Área de Educación de Adultos y Adolescentes del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

"Por primera vez los cursos de fotografía de las escuelas públicas de la Ciudad, dependientes del Área de Educación de Adultos y Adolescentes, ealizamos una muestra fotográfica de manera conjunta, proponiendo orrar los límites de escuelas, distritos y sectores. Hoy todos los trabajos  on uno, todos los cursos son un curso, y todos los estudiantes son  ompañeros en un mismo deseo.

En el marco de este proyecto que nos une, tomamos como punto de partida, como consigna a trabajar fotográficamente, la revalorización. Revalorizar lo cotidiano, lo invisible, lo que siempre está pero que no  vemos. Pero también es revalorizar la educación de adultos, la educación pública, revalorizar la fotografía, no por su técnica sino por su mensaje, por  su posibilidad de crear nuevos lenguajes, por salirse de los bordes y expandirlos, por ser el canal de expresión de tantos. Revalorizar el trabajo en equipo, la mirada propia y la del compañero. 

Y en la línea del tema revalorización, pensamos en procesos fotográficos alternativos como el canal, el medio, el soporte de las imágenes creadas. Así es que incursionamos en la transferencia en madera, en tela, y hasta en vidrio, experimentamos con la clorofotografía, la antotipia y la transacuatipia, jugamos con el collage y la fotografía intervenida, el fotograma y el fotomontaje. También estuvieron presentes la fotografía estenopeica y el laboratorio blanco y negro. De la mano de un reconocido fotógrafo como lo es Esteban Pastorino, nos aventuramos en el cianotipo y el marrón Van Dyke. Y hasta nos animamos con instalaciones y soportes que salen de las clásicas muestras de fotografía. Pensamos en una Fotografía expandida.  

El camino al que nos animamos este año no fue fácil, y a la propuesta del tema revalorización y procesos alternativos se sumo la idea de realizar una curaduría colectiva en la que los estudiantes fuesen sus propios  curadores, tomando decisiones que hacen a su propia muestra. Todo este proceso creativo trajo ansiedad y temor a lo desconocido, animarse a correrse de la línea prefijada por experiencias anteriores donde los estudiantes tenían muy poco para decidir. Sin embargo, todos los protagonistas de este proceso creativo hemos estado a la altura del desafío y aprendimos que la práctica hace al arte, que el azar de alguna manera hace a la elección de un tema y que en ese tema el autor se ve reflejado; que es maravilloso sentir escalofríos y vértigo y sentirse volar bien alto cuando se crean fotos. También aprendimos que aunque el desaliento y la desorientación parecen infranqueables, seguir intentando hasta dar con lo buscado es la clave, que el trabajo compartido motiva y dinamiza la experiencia, y que alienta a no bajar los brazos, a confiar en uno mismo. Y al final del proceso, si es que un proceso creativo tiene final, la ansiedad con que se inició y que fue combustible, tal vez aún hoy no se supera, pero sus frutos no dejan de llenarnos de orgullo por la entereza, la valentía y la autenticidad con la que se han llevado a cabo. 

No queremos dejar de agradecer a quienes nos acompañaron en este proyecto hasta el día de hoy. A Jimena Pautasso por abrirnos las puertas del este hermoso espacio llamado Centro Cultural Paco Urondo, y darnos libertad absoluta para crear en él. A Esteban Pastorino por darnos una clase magistral sobre cianotipo y marrón Van Dyke sin pedir nada a cambio, y 

dedicándose de lleno. A Paula Gabisson por creer en nosotros y nuestro proyecto. A Marcela Nespolo por la generosidad en su trabajo diario. A Luz Díaz por el exquisito diseño de la invitación. A Juan Correa Trío por regalarnos sus notas musicales en la inauguración de esta muestra. A cada una de las escuelas que acompañó a cada docente y a cada curso. Y por sobre todo a los fotógrafos y fotógrafas de los cursos de fotografía que se animaron a darle forma a esta propuesta, y que sin ellos, hoy no estaríamos aquí, luchando y visibilizando la educación de adultos."

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.