ACTIVIDADES

Inauguración: viernes 16 de junio 19hs

 

Los husos destinados a ayudar en el hilado de las fibras textiles, pueden ser útiles también para representar nuestros posibles trayectos en el arte textil. Por él avanzamos cada una con su huso, dejando correr un haz de fibras que dibuja el sendero elegido, que lo muestra lineal y tenso, o enredado y repleto de nudos, flexible, dudoso en ocasiones y siempre dispuesto al cruce, a la red y a las tramas colectivas.

Como desde el comienzo de los tiempos y en todas las culturas, las manos de las mujeres toman el huso, retuercen la fibra, componen hilos, generan formas y le otorgan tintes, palabras, conceptos. En aquellas que lo adoptan como materia plástica, existe una indagación, un mirar que no escatima la propia vida en el pasaje hacia el conocimiento y la búsqueda de una expresión sensible. 

Recorriendo el laberinto, los husos que nos guían son variados, como variados los usos del arte textil, con su amplitud de recursos y procedimientos, tan permeable frente a otras disciplinas como afín a las producciones en cruce. En esa heterogeneidad del hacer, que enriquece y amplía los límites de su campo artístico, lo textil nos encuentra en camino.

En el huso de cada una de nosotras, van ovillados vivencias y recuerdos, mandatos y saberes heredados, rebeldías de mujeres que nos inspiran, lecturas, escuchas y experiencias estéticas signadas por el esfuerzo o la osadía. Todo eso cabe en nuestros husos y más, cuando los compartimos.

 

Viviana Debicki

 

Para deshacer los nudos, se necesita viento en nuestros husos. Cada hilo desenredado por la labor de las manos rescata la voz de una mujer y la mece en el aire.

 

 

Viviana Debicki

Emilia Demichelis

Marisa Domínguez

Carmen Imbach Rigos

Betina Sor

Natalia Suárez

Florencia Walfisch

 

 

 

Viviana Debicki

Viviana Debicki, vive y trabaja en Buenos Aires, Licenciada en Artes Visuales (UNA) y Profesora Nacional de Escultura. Investiga y trabaja sobre el valor de los objetos cotidianos como vehículos de la memoria: los materiales simples, pequeños y casi intangibles de los que se nutre la memoria, los recuerdos de la infancia y, particularmente, los referidos las labores textiles tradicionalmente femeninas. Entre otras muestras en espacios institucionales y privados, ha participado en “Hagamos visible lo invisible”, Centro Cultural Recoleta, en “Genéricas”, muestra en la Legislatura Porteña y presentó su muestra “Basta un botón”, en la Universidad de Rosario y en la Universidad de Lanús. Sus trabajos sobre estereotipos de género, integraron la muestra “Lazos y moños” en el Museo de la Mujer de la ciudad de Buenos Aires y en Museo Casa Carnacini. Como parte de su proyecto “Mercería” ha presentado “Puntada sin hilo” en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (2016). Realizó el mural textil que identifica al Observatorio de Género de la Justicia de la Ciudad de Buenos Aires en la Magistratura Porteña. Su obra forma parte desde marzo de 2011 del patrimonio del Museo de las Mujeres de Costa Rica.

 

 

Emilia Demichelis

Emilia Demichelis vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires. Es Artista Visual orientada a la producción e investigación de textiles. Tiene en curso la Licenciatura en Artes Visuales con orientación en Escultura en la U.N.A (Universidad Nacional de las Artes) y desarrolló su producción en los talleres de diferentes artistas. La misma fue expuesta en diferentes espacios de la Ciudad Buenos Aires, Santa Fe, Bahía Blanca, Santa Cruz, etc. En el presente realiza clínica de obra con Karina Granieri y anteriormente con Eduardo Médici. Aborda las prácticas visuales desde la producción individual y las colectivas, profundizando en la construcción de discursos y vínculos intergeneracionales y multiculturales. Trabaja en talleres de arte para niños desde su adolescencia y dicta clases de arte y experimentación textil para adolescentes, jóvenes y adultos.

 

 

Marisa Domínguez

Marisa Domínguez vive y trabaja en Buenos Aires, estudió Licenciatura de Artes Visuales en Filosofía y Letras, UBA y en busca de mayores recursos para su producción cursa hoy la Licenciatura en Artes Visuales, UNA. Su camino que pasa por el dibujo, la pintura y el grabado, ha transitado también el estampado de telas, el diseño de vestuario teatral, la cerámica, el vidrio, el papel maché, el uso de elementos tan habituales como fideos o materiales de reciclado como el plástico y las cápsulas de medicamentos, en su búsqueda de recuperar el aspecto lúdico de la creación. En su obra están presentes los objetos y colores que invadían la casa de su madrina en la infancia: los calcos en la heladera y las alacenas, las uvas de vidrio, los cuadros pintados sobre terciopelo negro, las bolas de nieve, el burrito de tela roja, la negrita de la suerte, las carpetitas tejidas al crochet de mil colores, las flores de plástico y los estampados psicodélicos de sus vestidos.

Ha participado de variados salones interdisciplinarios, acordes a su forma experimental y multifacética de trabajo, ha expuesto en el Palacio de las Artes, Fundación Mecenas, con “Exotismo radical”, en La Manufactura Papelera con “Mundo Feliz” y en Galería Holz con “Boquitas pintadas”.

 

 

Carmen Imbach Rigos

Carmen Imbach Rigos, nacida en Uruguay y nacionalizada argentina, vive y trabaja en Buenos Aires, es Profesora Nacional de Pintura y Licenciada en Artes Visuales, UNA. Aborda desde su obra cuestiones femeninas. Desarrolla tareas docentes y de investigación paralelamente con su constante labor artística. Obtuvo en 2015 el Primer Premio Nacional, Salón Nacional Textil Fundaluz y el Primer Premio Nacional Joan Wall, Bienal Textil Museo Sívori. En 2014, Primer Premio Salón Nacional Textil Bolsa de Comercio y el Tercer Premio Museo Rómulo Raggio.

Ha expuesto en muestras nacionales e internacionales: 2016 - Mapas femeninos en Retratos de familia -Museo Aurelio Genovese- Santa fe – Argentina. 2016- Muestra, El ardid del tiempo- Museo Nacional de Bellas Artes, Salta, Argentina.2015- Muestra - Art al Vent Gata de Gorgos Valencia- España.2015 -Centro Argentino del Libro de Artista en U.A.D.E- Argentina

2015 -Muestra Internacional -Museo de Jacquard en Roubaix - Francia- 32 Artistes, le fil, le rouge à la Manufacture de Roubaix -    Muestra Colectiva Latinas Fibert Art Fever- Arte Textil Paris - Francia, 2013 - Muestra Individual - Arte Textil - Museo Provincial de Bellas Artes “Timoteo Navarro”- Tucumán- Argentina.

 

 

Betina Sor

Betina Sor, vive y trabaja en Buenos Aires. En el año 1986 egresó de la ENBAPP con el título de Profesora Nacional de Escultura y en el año 2004 se Licenció en Artes Visuales /Escultura-UNA. Completó su formación con varios maestros de escultura y de otras áreas-música-historia del arte-grabado-bordado-fieltro- entre varias. Ejerce la docencia en instituciones, siendo Titular concursada de la materia OTAV Escultura/Departamento de Artes Visuales P. Pueyrredón-UNA. Ganó algunos premios y suele mostrar mis trabajos tanto en exposiciones colectivas, en grupos auto gestionados o en forma individual.

Su trabajo está ligado al mundo de lo femenino y por extensión a lo humano, ya sea dentro de un esquema figurativo de representación de la realidad, o poético-conceptual con diferentes soportes. Le interesa el rescate de lo cotidiano, visibilizado en la elección de algunos objetos, los cuales ensambla, interviene, relaciona. Le importa también la denuncia, la marcación o la puesta en evidencia, de hechos que considera injustos, dolorosos o desafortunados.  Su creación está íntimamente ligada a la búsqueda de una verdad propia, única y personal. Esa búsqueda se acerca a lugares ocultos e infinitos que, durante el proceso, se develan a la mirada de los otros, sin pretender jamás llegar a una verdad absoluta.

 

 

Natalia Suárez

Natalia Suárez es licenciada en Artes Plásticas de la UNLP y Caracterizadora Teatral, Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de La Plata.

Trabaja como docente en la UNLP y en su taller personal donde coordina diversos proyectos de arte contemporáneo que indagan en el arte textil y el entrecruzamiento de lenguajes.

En los últimos años su trabajo está relacionado al teatro, a la música, a la danza y a aquellos lenguajes posibles de dialogar con las artes visuales, ha realizado una formación transdisciplinar vinculada a otros actores y miradas posibles del hacer creativo.

Su búsqueda está vinculada las formas cotidianas, los objetos que nos rodean y al espacio que habitamos para volver pensarlos, sentirlos y significarlos, desde la propia experiencia y a modo de indagar en la práctica artística como forma de vivir y crear la vida.

Su obra juega con nuevos sentidos, combinando en las últimas realizaciones el propio cuerpo con la superficie textil como espacio de significación.

 

 

Florencia Walfisch

Florencia Walfisch es artista visual y poeta. Su formación incluye diferentes disciplinas expresivas. Durante varios años se centra en el dibujo y la escritura y desde el 2004 en el arte textil. Estudia con Mónica Marcovich, Víctor Chab. Hace clínica de obra con Tulio de Sagastizábal. Realiza exposiciones colectivas e individuales en Argentina y el exterior: Berlín (Galería Michael Schultz, 2015) y  New York (Gallery Molly Krom, 2014) Entre las distinciones obtenidas se pueden destacar: Segundo Premio, Arte Textil, 100° Salón Nacional de Artes Visuales (2011), Mención, Arte Textil, 96° Salón Nacional de Artes Visuales (2007), Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines (2004), Mención VI Premio Latinoamericano de Poesía Ciudad de Medellín (2007). Sus textos se incluyen en diversas antologías, entre otras: Poetas argentinas (1961-1980) y Premio Jaime Sabines, 20 años, Chiapas, 2009. Participa de diversos proyectos interdisciplinarios. Lleva adelante el proyecto Té con Obra, abriendo un diálogo entre artistas visuales y literarios. Conforma, junto al músico Pablo Bronzini, el colectivo in medias res, que combina el lenguaje visual y la música. Vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 7 de julio de 2017 de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs.

ACTIVIDADES

Inauguración martes 4 de abril a las 19hs

Catálogo disponible aquí

En la obra de nuestra artista, Teresa Pereda, la tierra se constituye en la gran protagonista, percibiéndose que esta elección no se circunscribe al mero orden de lo estético sino que fundamentalmente, en su existencia matérica, la tierra es elegida por ser portadora de contenidos simbólicos e ideológicos que reseñan los valores más profundos de nuestros pueblos americanos, haciendo propios a aquellos contenidos  complejos y plurales que residen con vitalidad, tanto en el universo cosmogónico precolombino como también anidan, aunque de un modo dispar, en nuestra América popular (indígena, mestiza y criolla).  

Haydeé Palazzolo y Graciela Dragosky

Curaduría: Graciela Dragosky

 

Teresa Pereda (Buenos Aires, 1956)

Artista e investigadora. Licenciada en Historia de las Artes, Universidad de Buenos Aires. Profesora invitada en la Maestría en Diversidad Cultural de la UNTREF.

Se especializa en etnografía indígena de Sudamérica en el marco de procesos de mestizaje y reetnización vigentes en suelo americano. 

A principio de los años 90 profundiza su poética a partir del vínculo hombre-tierra. Emprende un conjunto de acciones de recolección e intercambio de tierras procedentes de diversas regiones de la Argentina que dan lugar a la serie Itinerario de un país (instalaciones, performance, libros de artista, fotografía y video).

Desde 2007 y a partir de viajes por el continente americano surge la serie Recolección - restitución. Citas por América, que conformó la exposición conmemorativa del Bicentenario en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta (Bs. As., 2010). Integró las muestras Malvinas. Arte, documento, historia, memoria y actualidad de nuestras islas, Palais de Glace, (Bs.As. 2012) y Realidad / Utopía - 200 años de Arte Argentino en Akademie derKunste, (Berlín, 2010). Entre sus muestras individuales se destacan: Gathering / Restitution. Appointments around América Alejandra von Hartz Gallery, (Miami, USA, 2011); Itinerarios, libros e instalaciones Pabellón de las  Bellas Artes, UCA, (Bs.As., 2012); Agua que no se detiene, MNAD (Bs. As., 2013); Pró(x) imo posible. Cita país, Parque de la Memoria (Bs. As., 2013); A orillas del Río Dulce, Centro Cultural del Bicentenario (Santiago del Estero, 2014). 

Participó de las residencias Intra-nation: thematic residency in Media and Visual Arts, The Banff Centre, Alberta, Canadá (mayo-junio 2004) y Fountainhead Residency, Miami, USA (marzo-abril 2011).

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

De lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs en el salón de las columnas, hasta el 28 de abril de 2017. 

ACTIVIDADES

Inauguración: viernes 3 de marzo 19hs

Mariela Yeregui

Vivo cerca del Olimpo, un ex-centro clandestino de detención. Paso frente a él todos los días. Es un lugar inquietante y que, al mismo tiempo, me convoca, me interpela, me invita a recorrerlo y a contemplarlo. Fruto de esta contemplación constante surge “En el fondo de todo hay un jardín”.

Este punto de luz habla de los jardines que crecen espontáneamente en el terreno del horror, de la desazón, de la violencia. Es un jardín para un ex-centro clandestino, pero también puede ser un jardín personal, íntimo, que crece en el alma. Es un jardín de luz, es un espacio incipiente que puede dilatarse, expandirse y eclipsar las sombras.

El jardín es así también un objeto itinerante. Puede ingresar en la intimidad del espacio del otro, y este tránsito por los espacios privados va descubriendo nuevas capas, va dibujando trazos en el territorio. Los espacios interiores develan huellas, “arrastran” líneas de fuerza reveladoras de andamiajes sociales, económicos, culturales.

 https://jardinitinerante.wordpress.com/


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 30 de marzo, de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs.

ACTIVIDADES

Inauguración: viernes 3 de marzo 19hs

Catálogo disponible aquí

 

LATENTES 1976-2016

Un poema contemporáneo

a 40 años de la última dictadura cívico-militar.

 

GRUPO TENDER 

Alicia Benitez - Marion Jüül - Walter Coelho - Sandra Ciccioli - Jimena Geri - Adriana Giacchetti - Adriana Gutierrez – Andrea Trotta - Carlos di Leone - José Arfuch - Florencia Belotti - Lucía Artigas.

Curaduría: Federico de la Puente

 

A cuarenta años de la última dictadura cívico-militar, doce artistas trabajan juntos. Reflexionan sobre las cartas escritas por las madres detenidas-desaparecidas a sus hijos nacidos en los centros ilegales de detención. Aquellas cartas, escritas a la fuerza y con la ilusión de ser canales de comunicación, nunca llegaron a destino. Los papeles intervenidos por los integrantes del grupo TENDER Generan un torbellino blanco, que llena el espacio de gestos sutiles y casi imperceptibles.

LATENTES (1976-2016) nos recuerda que todo encuentro es político, en tanto es una relación con el otro. Es un hecho que desanda y construye mundos. Los 121 nietos recuperados son homenajeados en 121 papeles intervenidos por los artistas, en los cuales se atraviesa el tiempo y la lucha por un mundo más justo. Cartas desde el peor de los cautiverios que contienen y proyectan la construcción de un futuro de LIBERTAD plena.

La invitación es a la reflexión, a la memoria. Pero también es un llamado a la acción y al trabajo cotidiano en nuestro tiempo, a la mirada atenta y al pensamiento crítico.

Federico de la Puente

 

 

 

GRUPO TENDER

Alicia Benítez

Mis obras en algunos casos son registros....en otros casos recortes de la realidad..... y en otros sueños. Mi formación en las escuelas de Bellas Artes sostienen estos momentos y abren la posibilidad de desarmar lo aprendido y avanzar hacia nuevas apariciones. ESTE ES MI JUEGO.

 

Marion Jüül

Me manejo en tres líneas de trabajo, dibujo, pintura y textil, que elijo en función de lo que quiero transmitir .Entre estos lenguajes plásticos desarrollo mi discurso personal que en este momento se basa en una mirada introspectiva y de reflexión sobre las emociones.

 

Walter Coelho

Me gusta ese encuentro que se provoca con la acción de pintar, la libertad, lo artesanal, el proceso de trabajo, descubrir la imagen. Utilizo el óleo, el dibujo y el collage como medios expresivos. Con la pintura puedo construir la expresión plena de la identidad. Busco en cada imagen, una construcción sensible, invitando a la contemplación y a la emoción. Fragmentos que hablan de otros y de nosotros.

 

Sandra Ciccioli

Toda mi obra gira en torno a la idea del hombre integrado en un fluir vital con la naturaleza, donde transito los límites entre lo bello y lo sublime, la incertidumbre y el sosiego, entre una fuerza poderosa y la fragilidad de la existencia, entre lo efímero y lo permanente. Me interesa el proceso creativo, la expresión, la composición, el diseño, y la variedad de medios para lograr un instante de comunicación desde lo visual, loconceptual y lo emocional, que permita atravesar la experiencia artística.

 

Jimena Geri 

Tengo la intrínseca convicción del arte, entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética y/o comunicativa, como una necesidad -espiritual- de expresar ideas, emociones, en general. Una visión del mundo, en mi caso, a través de lo visual. Considero al arte como una actividad cradora suprema del ser humano. Básicamente es una profunda e intensa necesidad interior que, en concordancia con el “otro-espectador” forma un vínculo comunicativo indisoluble y mágico.

 

Adriana Giacchetti 

Mi relación con el arte ya comienza en mi infancia, ya que mi padre era también artista plástico. Si bien me especialice en la técnica del grabado, en la escuela de artes visuales donde me formé, no fue justamente esta la que luego elegiría para expresarme, ya que encontré en la pintura acrílica esa respuesta veloz y precisa a mis necesidades artísticas. El arte me conecta con la verdad, lo esencial, lo inconsciente, lo sutil y lo espiritual.

 

Andrea Trotta

Su sendero abstracto la ha conducido por diferentes expresiones como el colage, la espátula y su materialidad, impulsos cromáticos bastos y pinceladas llenas de sentimientos intensos. Hoy es una artista “en constante búsqueda de la síntesis tanto del color como del gesto”. La invasión visual es desalojada, desterrada y silenciada, una experiencia nueva surge del diálogo entre la obra y el observador, una conversación atemporal y sin ataduras. 

 

Carlos di Leone

Aprovechando mi amistad con el maestro Julián Agosta, comencé a tomar clases de escultura, descubriendo un terreno nuevo, y si bien la profesión le aportó muchos elementos a la naciente pasión, pude despegar de cierta mentalidad estructurada de la arquitectura para soltarme en el nuevo camino. Así fueron apareciendo formas dentro de una estética enraizada en lo telúrico (quien sabe de que manera estaban vibrando contenidas), y así se fue expandiendo el horizonte. Ese horizonte amplio permitió más adelante, incursionar en otras formas e incorporarme a nuevos grupos dentro de las distintas variantes estéticas.

 

José Arfuch

Entré al arte y al transitarlo encuentro el vínculo que más me acerca a la libertad. El arte es lo real.

 

Florencia Belotti

Soy arquitecta FADU-UBA y docente desde el 2009 en la materia Representación Arquitectónica –Cátedra Jacoby, FADU-UBA. Además, soy docente desde el 2013 en Teoría de la Arquitectura – Cátedra Arq. González, FADU-UBA. Colaboradora en proyecto y dirección de obra en Estudio María Fernanda Vilanova y Estudio Mehaudy (arquitectura y diseño interior). Obtuve la Mención Honorífica Concurso Internacional de ideas para la Escuela de Circo en Moscú organizado por AC – CA (2016). Realizo talleres de clínica de obra y otros seminarios a cargo de las artistas visuales Mirta Kupferminc, Silvia Brewda y Sandra Ciccioli. 

 

Lucía Artigas

Hace más de diez años que recorro aulas y talleres. Disfruto de la maternidad, la familia y los amigos... En 2011 asumí el compromiso de llevar “Presos de sí”, primer proyecto colectivo, a la Galería de Arte del Ex Presidio de Ushuaia. Desde entonces me apropié de la condición de “artista plástica” y sostuve una actividad modesta pero constante. En 2012 tuve la oportunidad de exponer Presos de sí en el Museo Casa  Carnacini y tiempo después el proyecto fue declarado de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación. Creo que uno se define en contexto. “Ser” es “Ser entre otros” y trabajar junto a colegas que uno aprecia y respeta tanto, siempre es un enorme placer. 

 

Adriana Gutierrez

El trabajo realizado para contar en "coro" este tema tan doloroso con mis colegas de Tender fue sumamente gratificante, un ejercicio de defensa del punto del vista propio y un resignar, ceder en pos del resultado final. Estoy convencida que logramos explicar que hay posibilidad de reunir esa palabra susurrada, pensada, llorada con su interlocutor. Que existe la posibilidad real de quitarse las dudas y encontrarte con una abuela que, a fuerza de amor, siguió esperando para poder contar sus anécdotas y  secretos. Hay una comunicación "Latente", hay una posibilidad de encuentro que ya se produjo en 120 oportunidades. Festejemos la vida y el reencuentro.

 

Federico de la Puente. Curador

Argentino (1987), reside en Buenos Aires. Cursó la Licenciatura en Curaduría e Historia del Arte en la Universidad del Museo Social Argentino. Posee más de 10 años de experiencia en el área de gestión cultural, diseño y comunicación. 

Desde 2009 es fundador y fue coordinador del Ciclo de Artes Visuales de la Asociación Cultural Arte y Vida. En este espacio ha desarrollado exposiciones mensuales hasta el 2015 inclusive. En esta institución, se desempeñó en cargos directivos desde 2007 a 2013. Ha desarrollado numerosas exposiciones. 

En 2014 escribe para la exhibición Poéticas Divergentes (Museo Timoteo Navarro – San Miguel de Tucumán). En 2015, es convocado para realizar la curaduría del proyecto colectivo TENDER en el campus de la Universidad Nacional de San Martín. Ese año,también cura la exhibición de Alicia Keshishian en Arcimboldo Arte Contemporáneo (C.A.B.A.) y elabora distintos proyectos para la galería de arte Imaginario, en la Ciudad Autónoma de Buenos AireS. Ha publicado varios artículos y reseñas en diversos medios digitales, así como también,participó en programas de radio con columnas sobre arte y cultura. 

En 2016 desarrolla la curaduría del proyecto de sitio específico LATENTES 1976-2016 del Grupo TENDER. Con el mismo se presenta en la Universidad Nacional de San Martín y en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA). Funda y coordina el ciclo de exposiciones de arte contemporáneo Experiencias, dentro del proyecto de gestión cultural independiente “Las Conanas” en Villa Crespo, Buenos Aires. Escribe artículos, realiza clínicas y presenta proyectos para diversos artistas contemporáneos. 

 

Latentes en Facebook:

https://web.facebook.com/Latentes-1976-2016-323311374676961/?fref=ts

 

Catálogo digital:

https://issuu.com/federicodp/docs/latentes

 

LATENTES INVITA

Silvio Fischbein

 

En esta oportunidad, se incorpora al proyecto un nuevo espacio. Porque creemos que la memoria es colectiva y en construcción constante. Porque estamos dispuestos a sumar más voces a esta conversación. Nace LATENTES INVITA: la oportunidad para ver este proyecto de sitio específico en diálogo con la obra de otro/s artista/s. En esta edición LATENTES invita a Silvio Fischbein a incorporarse con una obra que abre sentidos y genera lecturas nuevas.

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 30 de marzo, de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs.

ACTIVIDADES

Lunes 5 de NOV 18hs 

Inauguración y entrega de diplomas

1ra muestra anual de los cursos de fotografía del Área de Educación de Adultos y Adolescentes del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

"Por primera vez los cursos de fotografía de las escuelas públicas de la Ciudad, dependientes del Área de Educación de Adultos y Adolescentes, ealizamos una muestra fotográfica de manera conjunta, proponiendo orrar los límites de escuelas, distritos y sectores. Hoy todos los trabajos  on uno, todos los cursos son un curso, y todos los estudiantes son  ompañeros en un mismo deseo.

En el marco de este proyecto que nos une, tomamos como punto de partida, como consigna a trabajar fotográficamente, la revalorización. Revalorizar lo cotidiano, lo invisible, lo que siempre está pero que no  vemos. Pero también es revalorizar la educación de adultos, la educación pública, revalorizar la fotografía, no por su técnica sino por su mensaje, por  su posibilidad de crear nuevos lenguajes, por salirse de los bordes y expandirlos, por ser el canal de expresión de tantos. Revalorizar el trabajo en equipo, la mirada propia y la del compañero. 

Y en la línea del tema revalorización, pensamos en procesos fotográficos alternativos como el canal, el medio, el soporte de las imágenes creadas. Así es que incursionamos en la transferencia en madera, en tela, y hasta en vidrio, experimentamos con la clorofotografía, la antotipia y la transacuatipia, jugamos con el collage y la fotografía intervenida, el fotograma y el fotomontaje. También estuvieron presentes la fotografía estenopeica y el laboratorio blanco y negro. De la mano de un reconocido fotógrafo como lo es Esteban Pastorino, nos aventuramos en el cianotipo y el marrón Van Dyke. Y hasta nos animamos con instalaciones y soportes que salen de las clásicas muestras de fotografía. Pensamos en una Fotografía expandida.  

El camino al que nos animamos este año no fue fácil, y a la propuesta del tema revalorización y procesos alternativos se sumo la idea de realizar una curaduría colectiva en la que los estudiantes fuesen sus propios  curadores, tomando decisiones que hacen a su propia muestra. Todo este proceso creativo trajo ansiedad y temor a lo desconocido, animarse a correrse de la línea prefijada por experiencias anteriores donde los estudiantes tenían muy poco para decidir. Sin embargo, todos los protagonistas de este proceso creativo hemos estado a la altura del desafío y aprendimos que la práctica hace al arte, que el azar de alguna manera hace a la elección de un tema y que en ese tema el autor se ve reflejado; que es maravilloso sentir escalofríos y vértigo y sentirse volar bien alto cuando se crean fotos. También aprendimos que aunque el desaliento y la desorientación parecen infranqueables, seguir intentando hasta dar con lo buscado es la clave, que el trabajo compartido motiva y dinamiza la experiencia, y que alienta a no bajar los brazos, a confiar en uno mismo. Y al final del proceso, si es que un proceso creativo tiene final, la ansiedad con que se inició y que fue combustible, tal vez aún hoy no se supera, pero sus frutos no dejan de llenarnos de orgullo por la entereza, la valentía y la autenticidad con la que se han llevado a cabo. 

No queremos dejar de agradecer a quienes nos acompañaron en este proyecto hasta el día de hoy. A Jimena Pautasso por abrirnos las puertas del este hermoso espacio llamado Centro Cultural Paco Urondo, y darnos libertad absoluta para crear en él. A Esteban Pastorino por darnos una clase magistral sobre cianotipo y marrón Van Dyke sin pedir nada a cambio, y 

dedicándose de lleno. A Paula Gabisson por creer en nosotros y nuestro proyecto. A Marcela Nespolo por la generosidad en su trabajo diario. A Luz Díaz por el exquisito diseño de la invitación. A Juan Correa Trío por regalarnos sus notas musicales en la inauguración de esta muestra. A cada una de las escuelas que acompañó a cada docente y a cada curso. Y por sobre todo a los fotógrafos y fotógrafas de los cursos de fotografía que se animaron a darle forma a esta propuesta, y que sin ellos, hoy no estaríamos aquí, luchando y visibilizando la educación de adultos."

 


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

Lunes 5 de NOV 18hs

Objetos, obras e imágenes para una profesora innovadora

Esta muestra es una selección de trabajos integradores de los alumnos del profesorado de la UTN y de otras instituciones. Propone un viaje cognitivo y sensorial por los reflejos del universo didáctico de Adriana Libonati, una de las representantes de las nuevas pedagogías innovadoras emergentes.

Conforma una ventana al debate y a la difusión de formas alternativas para la producción de conocimiento didáctico. A su vez, es una invitación a la realización de posteriores exposiciones y encuentros sobre innovaciones emergentes horizontales. 

Curadores: Mónica Bardi / Horacio García Clerc

Más información aquí


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

Inauguración: martes 22 a las 19hs

Exposición de la historieta argentina. Primera muestra de la Cultura Popular del Centro Cultural de la Facultad de Filosofía y Letras. Universidad de Buenos Aires. 10 al 21 de diciembre de 1973.

Fotografías: Archivo del Instituto de Literatura Argentina.

Un modesto aporte a la memoria

En diciembre de 1973, cuando era interventor en el Instituto de Literatura Argentina, recibí una propuesta inesperada y muy atractiva. Una amiga, Graciela Goldsmith, dibujante y miembro del Sindicato de historietistas, me contó que iban a inaugurar una exposición retrospectiva del humor gráfico y la historieta 1870-1970, ya no recuerdo donde, pero el cambio de director los había dejado fuera de las actividades programadas para ese año. Esos cambios eran entonces muy frecuentes dado el contrataque lopezreguista contra los funcionarios del camporismo.

Inmediatamente le dije que me interesaba la posibilidad de trasladar esa exposición a nuestra Facultad y que podíamos disponer del espacio que otrora ocupara la sala de atención al público del Banco Hipotecario Nacional que estaba fuera de uso. Ella habló con Horacio Altuna, secretario de aquel sindicato, y nos pusimos de acuerdo en el traslado. Es claro que el lugar que les ofrecía no estaba ni mucho menos preparado para tal evento.

Tramité aceleradamente unos soportes en la Municipalidad porteña y me los enviaron, pero era necesario acondicionarlos, darles al menos una mano de pintura. Con un primo, actualmente diplomático y ex embajador en Viena, trabajamos un fin de semana para reacondicionarlos. Luego era necesario instalar sobre esos paneles unas cien reproducciones y, al efecto, previa gestión ante el Secretario Académico, acudieron unos cuantos militantes de la JUP, aunque ya en ese momento el Instituto estaba alineado con el sector conocido como Lealtad y opuesto a la gestión oficial.

Soportaron que en la hornacina de la entrada hubiera una foto y una cita de Perón, si bien repetían en ese entonces la consigna Evit(a)Perón y, previos trámites para levantar la cortina metálica de la entrada, que hacía décadas no se movía, pudimos inaugurar la muestra en el horario de la tarde. Nos sorprendió la cantidad de gente de la zona que, sobre todo luego del horario de trabajo, se acercaba a recorrerla. Y para ellos inventamos otra sorpresa.

Lunes, miércoles y viernes, de las varias semanas que duró el evento, organizamos en el salón de actos anexo, que hoy ha sido acondicionado de otra manera, actividades artísticas –de 18 a 20 horas- con alumnos de la Facultad, en las cuales no faltaron ni tríos de tango, ni un número de danza a cargo de la hija del plástico Gyula Kosice, ni algún cantor aficionado. Ciertos días los dedicamos, asimismo, a proyectar películas cedidas gratuitamente por el Fondo Nacional de las Artes, como toda la filmografía de Jorge Prelorán, y otros cortos más afines con la muestra: Buenos Aires en camiseta con dibujos de Calé o Primera fundación de Buenos Aires (Birri, 1959) con dibujos de Oski.

Una vez clausurada la exposición, entramos en contacto con los integrantes del TPB (Teatro Popular de Bogotá) que estaban en Buenos Aires. Su director Jorge Alí Triana, desde que fuera fundado en 1968, y Fanny Mickey (argentina), su gran actriz y animadora, accedieron a montar sobre ese mismo reducido escenario pasajes de la pieza que estaban elaborando, en forma conjunta, sobre la conquista española, sus principales protagonistas y tendencias en conflicto.

No conservo imágenes de tales actividades, creo que el vértigo de la época no permitía tales recaudos. Felizmente, un no docente del edificio me ofreció fotografiar los dibujos originales expuestos en los paneles y de los cuales pueden ver aquí una selección. La muestra fue el origen del actual centro de exposiciones Paco Urondo y, en el cierre, organizamos una mesa redonda de la que participaron Jorge Rivera y Héctor Germán Oesterheld, uno de los tantos artistas víctimas de la dictadura que asoló al país desde marzo de 1976.

Eduardo Romano

Toda la programación de FILO:120 1896-2016 LEGADOS, DEBATES, DESAFÍOS, aquí


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

La muestra podrá visitarse hasta el 16 de diciembre de lunes a viernes de 9 a 21hs y sábados de 9 a 13hs.

ACTIVIDADES

Inauguración: martes 22 a las 19hs

FILO:120 años
Palabras Memoriosas. Instalación Audiovisual

La muestra propone un recorrido por la historia de filo y sus protagonistas. Situándose desde el presente, una mirada hacia los hechos memorables que construyeron a lo largo de los años la facultad como hoy la conocemos, con sus multiplicidades y subjetividades que la conforman.

Se compone de una instalación central con hechos claves de la historia de la facultad, proyecciones de fotografías de archivo y de actualidad, entrevistas realizadas a los directores de institutos de investigación con sede en 25 de Mayo en los que se rescata el recorrido en primera persona como modo en que la subjetividad construye la memoria colectiva. Asimismo, en la sala contigua se expondrá una selección de imágenes de la primera exposición realizada en el Centro Cultural de la Facultad, dedicada a la historieta argentina, que tuvo lugar en diciembre de 1973.

Videos: Ricardo Manetti, Javier Moscoso y Jimena Pautasso.

Compilación de textos: Juan Besse. 

Fotografías: Colección FILO: 120 años. Programa de Fotografía Documental, SEUBE, FFYL, UBA. Dirección de investigación fotográfica y curaduría: Lic. Andrea Chame. También, material del Archivo General de la Nación, información recopilada por Cristina Carnevale e imágenes del archivo del Centro Cultural Paco Urondo y material de anónimos amigos y compañeros de estudio que cedieron su imágenes 

Curaduría: Gabriel Miremont y Jimena Pautasso. 

Toda la programación de FILO:120 1896-2016 LEGADOS, DEBATES, DESAFÍOS, aquí


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

Jueves 10 de noviembre 19hs

Una muestra de fotografías tomadas en trabajos de campo en el sur de Perú (Collao y Arequipa) que investiga y da cuenta el papel de los jesuitas en el desarrollo del estilo hispano-indígena en la ornamentación arquitectónica. La investigación fue producida por el equipo de investigación dirigido por Ricardo González, de la Facultad de Filosofía y Letras, en el marco de un proyecto UBACyT. La muestra se expsuso asimismo en la Universidad Católica San Pablo de Arequipa, en agosto pasado.

Participa en la inauguración la Emabajada del Perú, quienes ofrecerán un pisco de honor.


ENTRADA GRATUITA / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

ACTIVIDADES

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Miércoles 2 y Viernes 4 de noviembre 20hs

Actividad de extensión del Proyecto UBACyT 'Políticas, instituciones y saberes. La hechura de los lugares de memoria 1955 - 2015' 

EL NÓDULO 

(querubines)

es un pulso, un tambor. nadie reconoce a nadie.

música de campanarios. palomas. pelucas. pañales.

en qué arreglo se puede respirar, si el niño volvió sordo. ciego.

su hijo es una oreja señora. rush. base. vergüenza.

no va a haber bautismo. va a haber sur. música. y sur.

 

SINOPSIS

Estudio de grabación. Charo, dirige un coro de niños cantores. Es una travesti, viuda de un ingº de sonido con quien venían trabajando en la grabación de cierta sinfonía relacionada con el bombardeo a la plaza de mayo del 55. Luego de enviudar, y desenlutarse, Charo continúa con el trabajo interrumpido. 

Ahora se está en la etapa final de la grabación (el coro de pibes cantores: Mancuso y Di Pietri). Se ensaya y se hacen tomas. Mientras Boris (el asistente técnico en el estudio, ex boxeador) se encarga del registro audiovisual de las sesiones de grabación, y asume naturalmente el rol de preceptor escolar. 

La aparición de un ruido en la cinta interrumpe el trabajo. Uno de los 2 pibes tiene el nódulo. Es di Pietri, el pibe con más tranco en coros. A instancias de Boris (quien estudia la forma de limpiar los ruidos, tanto en el registro como en las mezclas) Charo decide convertir en castratis a los pibes, y de esa forma limpiar el timbre con nódulo, y de paso empujar al otro en forma preventiva al mimo registro de voz: angelical.

La operación desata un juego secreto de identidades, en donde Di Pietri imposta a Mancuso para zafar de inminentes nuevas medidas de limpieza, Mancuso cae un Cristo paranoia y por último y en el destierro; y Boris en el mundo del maquillaje facial. De todas formas, se graba, se ejecuta y se registra. Una cosa es lo que se es, y otra muy distinta la memoria. 

SOBRE LO ARTÍSTICO

El punto de partida es una palabra: “música”. La segunda es “amnesia”. Y la tercera no puede ser otra que “grabación”. Entonces el trabajo asume el comportamiento de una máquina de cinta abierta análoga en relación con lo que la rodea. 

El nódulo (querubines) es la trama entre la idea coral de la música, la idea traumática que supone la historia en nuestros cuerpos, y una grabadora de audios y sus modos (Record, Play, Pause, Fast Forward, Rewind y Stop). 

Son bicicletas invertidas o partes de ellas, ambas máquinas: la de grabar, reproducir o editar audios, y la hacer lo mismo con imágenes. Son proyectores de diapositivas la forma en que se auto iluminan los cuerpos. Y si la obra es la operación musical sobre una cinta abierta, también eso refiere a que junio del 55 fue una operación criminal sobre una Ciudad Abierta y sus cuerpos antes vivos. 

Aparece otra vez la idea de convocar fantasmas y conjurar la muerte, y volver a oír a los muertos. Todo, la misma noche, esperando que amanezca. Aunque todos beban y Charo repita como un loop que “no amanece más”, se trabaja por una aurora de la memoria. Se lo hace estéticamente, sino sería una pantomima más, una representación. Y se balancea al centro y adentro con Tía María, sino sería insoportable.

 

con

Carla Abelando

Ivan Díaz

Ramiro Garzón

Julieta Tramanzoli

 

escenografía

Julieta Ruz

Guille Papasso Lamerata

 

rec y mezcla de audios

Zarto

 

música y dirección

Mariano Agnone

 

Instalación: obras de León Ferrari

Gabriel Miremont

 


BONO CONTRIBUCIÓN $50 / SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.